Imaginar es más importante que nunca

 ¿Imaginas formas alternativas de interactuar con lo cotidiano? En estos tiempos donde todo caduca, hablar de permanecer, de lo que no se ve y de relacionar es disidencia. ¿Y si ir a contrapié fuera sinónimo de imaginar en positivo? Fuera la espectacularidad.

En estos tiempos de accidentes acelerados, necesitamos muchos espacios, muchos encuentros y muchas comunidades que hagan en pro – y a favor – de la imaginación. Que esbocen mundos que nos permitan fantasear con tantas otras maneras de ser, hacer y relacionarnos.

Mundos que entiendan la cocina como un lenguaje experimental, sensorial y cultural urgente de ser compartido. Mundos donde la artesanía sea el goce referente y necesario para la innovación social. Mundos donde “permanecer” no sea aferrarse al pasado, sino reinventar continuamente las formas de estar juntos.

Mundos como Tiempo + Materia, la muestra Otras formas de permanecer, comisariada por Estudio Savage en el marco de Valencia Design Fest. En su tercera edición propone una mirada expandida a la artesanía. Más allá del objeto, la pieza, el material o el resultado final: una invitación a imaginar. A pensar estos otros mundos. Desde la idea de expandir. Expandir el concepto de artesanía al gesto, el vínculo, la memoria que se reinventa, el proceso. Frenamos y compartimos tiempo para conversar con Adrián Salvador y Lucas Zaragosi, al frente de Estudio Savage desde 2010, sobre lo importante de imaginar otros paradigmas para transformar economía y cultura.

¿Qué permanece cuando no queda materia? ¿Y qué celebra aquí, exactamente, Otras formas de permanecer?

Permanece la experiencia, la memoria compartida, el gesto que deja huella más allá del objeto. Esta edición celebra precisamente eso: que la artesanía no siempre se mide en piezas tangibles, sino en vínculos, prácticas, procesos, relatos y afectos que también configuran un legado. Otras formas de permanecer es una invitación a reconocer esos rastros invisibles que sostienen la cultura material de la artesanía. Pero también, poder hablar con más libertad sobre el concepto de artesanía.

¿Se puede comisariar desde el vínculo, desde el agente creador más allá del objeto espectacular?

Sí. Creemos que el comisariado puede y debe surgir desde la experiencia compartida. Nos interesan prácticas que priorizan el proceso sobre el resultado final, la investigación sobre la espectacularidad. Más que la pieza en sí, nos importa lo que provoca: maneras de relacionarse con el material, formas alternativas de interactuar con lo cotidiano, con el tiempo y con la comunidad.

¿Qué papel tiene el territorio en esta edición? ¿Cómo se cuida el equilibrio entre lo local y lo global sin caer en el folklore?

Valencia es punto de partida y de resonancia. No queríamos caer en un relato localista. El territorio aquí se entiende como lugar que dialoga, lo mediterráneo como forma de relación con el mundo. Hablamos de una tradición que se transforma al ser expandida por miradas externas. La artesanía contemporánea tiene un lenguaje humanista, que desarrolla un diálogo complejo entre lo local y lo global, porque también lucha por salvaguardar su identidad.

La gastronomía atraviesa esta edición como hilo conductor. ¿Qué os interesa de este cruce con la artesanía?

Nos interesa cómo la cocina es también un lenguaje experimental, sensorial y cultural. Cocinar implica gesto, tiempo, transmisión de saberes, hospitalidad… y la artesanía le da forma. Vemos la gastronomía como un territorio fértil donde el diseño emocional es evidente: comer no es solo nutrirse, sino activar recuerdos, generar comunidad y cuidar de los otros.

Todo eso amplía lo que hoy entendemos por “artesanía”.

¿Tiene sentido hablar hoy de procesos lentos, de lo hecho a mano, de lo que requiere tiempo?

Cada vez más. Si la artesanía es una forma de oposición a la producción en serie y al consumo acelerado, la lentitud es una forma de resistencia, pero también un espacio de disfrute y profundidad. Frente a un capitalismo destructor, la artesanía contemporánea nos ayuda a imaginar otros paradigmas y transformar tanto la economía como la cultura.

En un momento donde todo tiende a convertirse en contenido, ¿se puede pensar una exposición que no sea instagrammable?

No negamos lo visual, pero queremos ampliar la experiencia. Que quien cruce el espacio no solo saque una foto, sino que se quede, participe, se relacione. Esta muestra cobra más sentido cuando se visita con nosotrxs, cuando podemos contar en primera persona el porqué de cada participante, del hilo conductor. Lo que se espera no es un consumo rápido de imágenes, sino un tiempo compartido. Otra forma de estar.

¿Qué tipo de futuro imagina esta muestra?

Un futuro en el que la artesanía no sea solo herencia, sino herramienta de innovación cultural y social. Queremos despertar en el público la sensación de que “permanecer” no es aferrarse al pasado, sino reinventar continuamente las formas de estar juntos. Tiempo + Materia es un observatorio vivo, un espacio de redefinición constante.

¿Cómo veis la artesanía hoy? ¿Sigue teniendo sentido separar diseño y artesanía?

Más que fronteras, vemos un continuo. Lo interesante está en los márgenes, en esa zona híbrida donde se mezclan disciplinas. Hoy, diseñadores y artesanos trabajan en colaboración generando proyectos conceptuales, técnicos, simbólicos. La artesanía se ha filtrado en capas como la agricultura, el urbanismo, la filosofía, la música, la arquitectura… La riqueza está en la mezcla. La complejidad del mundo requiere una mirada 360º.