Limerencia: diseñar lo que duele

El ballet como punto de partida. ¿Puede una colección contar un vacío?. Giselle. ¿Puede un vestido blanco dejar de ser símbolo de promesa? Vulnerabilidad, duelo y locura como formas de belleza cruda y real. Ingrid Sala Tur, ganadora del desfile de final de carrera de ESDI, presenta Limerencia: un proyecto íntimo y sensible. Hablamos con ella sobre obsesión, heridas, materiales que cortan y cómo transformar el dolor en una colección. Ilusión, celos y lamento.

¿Cómo nació “Limerencia”? ¿Qué dio pie a la colección?

“Limerencia” nace de una pasión muy personal: el ballet. Desde pequeña he estado ligada a la danza, y justo antes de mudarme a Barcelona para estudiar moda, un profesor nos mostró la obra Giselle. Me marcó profundamente por cómo transmite emociones extremas: amor, traición, locura y muerte.

Tenía claro que mi colección debía hablar de algo que realmente me representara. Giselle ofrecía ese punto de partida, no solo por su historia, sino por todo el imaginario simbólico que arrastra. Me inspiraron especialmente las Wilis: mujeres jóvenes que han muerto antes de casarse, traicionadas por sus prometidos, y que regresan como espíritus. Ahí encontré la figura de mi “novia rota”.

Quise representar lo que llamo belleza rota: vulnerabilidad, duelo y locura como formas de belleza cruda y real. El blanco deja de simbolizar pureza y se convierte en un blanco desgastado, casi ausente. Limerencia es mi forma de hablar del amor obsesivo, del apego ansioso, del vacío que deja la pérdida… pero desde el tejido.

¿Fue el vestido blanco, el ballet de Giselle o una emoción que querías vestir?

Fue una mezcla. Giselle fue el detonante, pero también había una emoción que llevaba dentro y no sabía cómo expresar con palabras. La colección fue mi manera de vestir eso.

El vestido blanco, tradicionalmente símbolo de celebración, aquí representa el vacío. Es el vestido de una novia atrapada en un ciclo de sufrimiento, reflejo de un amor que no pudo ser.

Has construido una narrativa en tres capítulos: ilusión, celos y lamento. ¿Cómo se traduce esa evolución emocional en patrones, cortes y materiales? ¿Cómo se diseña un duelo?

Quería contar una historia que evolucionara como una obra de ballet. El primer capítulo, Concepción, representa la ilusión: prendas más limpias, paleta en blanco y beige, todo parece perfecto… pero ya hay pistas de que algo fallará.

El segundo capítulo, Celos, introduce la obsesión: colores como el azul, tejidos etéreos, cortes más inestables. Evoca a las Wilis, como si el cuerpo empezara a desvanecerse.

El último, Lamento, es el colapso emocional: prendas rotas, tejidos deshilachados, negros y marrones. Todo se ha roto. Los materiales como el tul, el encaje y la lencería ayudan a traducir esa narrativa emocional de forma directa pero delicada.

El vestido de novia aparece resignificado. ¿Qué significa para ti trabajar con esa prenda icónica y darle la vuelta?

Siempre ha simbolizado ilusión, pureza, un nuevo comienzo. Pero en mi colección es justo lo contrario: representa lo perdido, el amor que no fue, la herida abierta. No hay final feliz.

Transformé la figura de la novia en alguien rota, abandonada, desbordada. Las siluetas exageradas y obsesivas hablan desde ahí. El vestido se convierte en herramienta emocional, no estética.

¿Cuál fue la decisión de diseño más difícil de tomar? ¿Algún momento de bloqueo o duda?

Lo más difícil fue representar emociones tan intensas sin caer en lo literal. Quería que se sintieran, no que se contaran.

Trabajar con un tema tan cargado implicó conectar con muchas capas internas. Canalizarlo en prendas fue también una forma de entenderlo. El reto fue mantener el equilibrio entre lo bello y lo roto.

Hay una carga poética y también física: tules, encajes, transparencias, cortes irregulares… ¿Qué relación tienes con los materiales? ¿Cómo elegiste esos tejidos para hablar de heridas?

Para mí, los materiales son un lenguaje. El tul, el encaje, las transparencias… tienen esa fragilidad que roza la piel. Dejan ver, no esconden. Me interesaba esa honestidad.

También usé lencería: corsés, sujetadores, ligueros. Son lo más íntimo, lo que está más pegado al cuerpo. Y, a veces, duele. Como el amor.

Los cortes irregulares y los acabados imperfectos hablan de lo inacabado, de la cicatriz. Trabajo desde esa tensión: lo bello y lo roto, al mismo tiempo.

¿Quieres continuar en esta línea o cerrar el círculo?

Siento que cierro una etapa, sobre todo académica. Pero a la vez se abre una forma nueva de entender el diseño.

Gracias al premio, quiero explorar el estilismo, que también me apasiona. Estoy en proceso de descubrir mi lugar. Por ahora, quiero seguir formándome y aprendiendo. Cuanta más experiencia, más claridad tendré para elegir el siguiente paso.

¿De dónde vienes y de dónde salió tu vínculo con la moda?

Soy de Palma de Mallorca. Mi relación con la moda no fue inmediata: fue creciendo. Desde pequeña jugaba con ropa, dibujaba, inventaba historias.

La danza ha influido mucho en mi mirada estética y en cómo entiendo el cuerpo. No sabía que existía una carrera como diseño hasta que me crucé con ella. Decidí probar y encontré un espacio donde realmente puedo expresarme.

¿Cómo ha sido la experiencia en ESDI? ¿Algún aprendizaje o profesor que no olvidarás?

El primer año fue duro: adaptación, cambio, empezar de cero. Pero poco a poco encontré mi lugar.

Me llevo mucho: lo aprendido, lo vivido, las personas. Este proyecto final resume ese camino. Estoy muy agradecida por lo que me han enseñado —también cuando fue desde la corrección.

Créditos fotografía

Diseño: Ingrid Sala Tur @ingridsalatur
Fotografía: Andrés Bustamante @andresbte
Modelo: Laura Schulze @lrschlz @blowmodels
Maquillaje: Sebas Cloquell @sebascloquell
Peluquería: Mario Amo @glambymario
Asistente de moda: Maria Blanch @bymariablanch