Alain Urrutia en Collezione Maramotti

Al final del pasillo hay una pantalla. Toda la sala es para la pantalla. En ella se suceden, a un ritmo vertiginoso (muy Tendencias.tv, si nos preguntas), muchas, ¿miles?, de imágenes: un fotograma de cine, una postal, un recorte de periódico, una escultura barroca, una foto hecha con el móvil en cualquier calle, plantas, detalles y un selfie. Dura 13 minutos y 7 segundos.

Para llegar a esta sala, un pasillo con seis pinturas al óleo del tamaño aproximado de un iPad. Detalle, realismo to the max y blanco y negro (¿uno de los retos u obsesiones del artista: trabajar el hiperrealismo sin colores?). Es «Helmuga (End Point)», que conectará con la sala final de la exposición, donde otra pantalla muestra un vídeo de siete minutos que, a modo de escultura digital, de imagen mental o de sistema de pensamiento, enseña a través de fotos de su archivo cómo trabaja Alain Urrutia. Su método, lo que nunca ha enseñado. En la pieza se desliza con una intención clara: dar con unas imágenes que sabe dónde están. Es su material, como quien trabaja el barro, los tejidos o los óleos. Arriba a la izquierda, al principio o al final de la pieza, en bucle, unas carpetas de ordenador perfectamente ordenadas resaltan frente al resto del caos. Una instalación sobre el exceso visual de nuestra época, una metáfora de la pantalla infinita. No lo es. O no solo. «Es real, está en mi teléfono y está en el ordenador», dice Alain Urrutia (Bilbao, 1981). Es, literalmente, su archivo. Parte del origen, del proceso y de su manera de trabajar. El lugar donde todo empieza y pasa.

Lo que el visitante tiene delante es algo que normalmente se queda en el estudio, en la memoria del disco duro, en el cajón del artista. «Es el método que tengo yo para trabajar. Es una cosa que nunca se ha enseñado», explica. «Y de repente, cuando lo empiezo a enseñar, la gente ha dicho: ¿qué es esto?».

Una retrospectiva hacia delante

«Abiapuntua», «punto de partida» en euskera, es su primera individual en una institución italiana. Reúne más de veinte pinturas nuevas y dos vídeos en tres espacios de la Collezione Maramotti, la colección que la familia Maramotti, fundadora de Max Mara, mantiene en la antigua fábrica de la firma en Reggio Emilia. Pero la jugada de Urrutia es otra. No hay aquí ninguna de las obras que le han llevado del Guggenheim Bilbao a Ciudad de México o Boston. Y, sin embargo, él la define como una retrospectiva.

«Funciona de manera retrospectiva sin enseñar ningún trabajo anterior», afirma. «Te hace entender todos los trabajos anteriores, e incluso todos los trabajos que vendrán: cómo están, dónde se generan y cómo se generan». Es una idea poco habitual en un sistema del arte que suele mirar hacia atrás para consagrar. Urrutia propone otra cosa: abrir y compartir su pensamiento.

«Lo importante en mi trabajo no es pintar imágenes», dice. «Sí que es la pintura, pero no pintar imágenes. Lo que me interesa es estudiar cómo se comportan las imágenes, y la pintura no deja de ser un instrumento, una herramienta para llevar a cabo ese estudio». Urrutia es ante todo un pintor. Uno de los de su generación que ha hecho del blanco, el negro y la escala de grises una lengua propia, con una precisión técnica que roza el hiperrealismo. Dicen que quien haya intentado pintar en negro sabe lo que eso significa: no hay color que disimule, cada matiz cuenta y cada error se ve. Por eso sorprende que Urrutia insista en restarle protagonismo a la imagen pintada.

Vivimos rodeados de imágenes que se producen, se comparten y se olvidan a una velocidad imposible. Urrutia hace el gesto contrario: detenerse, acumular, comparar, preguntar. Su método consiste en «acumular imágenes para intentar entender lo que una imagen esconde». Es decir, desconfiar de lo evidente. En plena era del scroll, pintar para Urrutia es cocinar a fuego lento.

El moodboard como el cuaderno de pintor vasco.

En las salas centrales aparecen los paneles que el artista llama moodboards. Algo muy digital para alguien tan técnico y preciso, y de nuevo la sorpresa como parte del proceso. Moodboard nos remite al diseño, la moda, las agencias; a las pantallas. Él lo ha trasladado al óleo: composiciones donde conviven plumas, caballos, flores, rostros, piezas de ajedrez y citas a la historia del arte, de Courbet y Botticelli a Bernini o Duchamp, superpuestas, tapadas a medias, desbordando sus propios marcos. La Collezione Maramotti los emparenta con el Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, el gran mapa de imágenes que el historiador dejó inacabado al morir en 1929.

«Los llamo moodboards porque es mi forma de trabajar», explica. «Nunca los he hecho ver tampoco». Las imágenes vienen de todas partes: «En mi atlas hay de todo: desde screenshots de cine, recortes de periódico, postales, fotografías mías, fotografías que me han enviado por las redes sociales». En los paneles de esta exposición dominan la historia del arte y sus propias fotografías. Y de ese estudio salen, al principio del recorrido, nueve pequeños cuadros: nueve destilados, nueve respuestas. «Ese estudiar las imágenes para encontrar qué imagen mía representaría esa idea».

Nueve temas y sin instrucciones alguna

¿Hay un concepto detrás o es una deriva libre? Urrutia sonríe: «Siempre, siempre, siempre. Claro que hay». El proyecto se articula en nueve temas que, para él, «resumen el orden simbólico universal»: el origen del mundo, la comunidad, el paraíso, la muerte, el silencio, el retorno, la naturaleza viva, el viaje. Lo que no hará es decir qué cuadro corresponde a cuál. «Lo que quiero es que el espectador también tenga la oportunidad de pensar por sí mismo y poder visitar la exposición sin que alguien le esté diciendo cómo tiene que leer las imágenes».

En un momento en que casi todo llega explicado, etiquetado y resumido (thanks to el algoritmo, la cartela o el pie de foto), la renuncia tiene algo de declaración política. Urrutia nos devuelve a los visitantes la responsabilidad delegada: pasear y observar. Lo que falta también cuenta: en tres de los grandes formatos pinta desgarros que dejan huecos a la vista, en la línea de lo visible y lo invisible que estudia el filósofo Georges Didi-Huberman. Esos vacíos los rellena quien mira.

Los dos vídeos que acompañan la muestra cierran el círculo. Si la pintura es la herramienta lenta, el vídeo es el archivo en movimiento: la cosmogonía de imágenes del artista tal y como estaba en el momento de montar la exposición, destinada a cambiar. Es la primera vez que ese atlas personal, vivo, en constante metamorfosis, sale del teléfono y se convierte en obra. Lo íntimo, lo que el artista consulta a solas, pasa a ser lo que se expone.

El proyecto se ha cocinado durante año y medio de charlas y conversaciones con Sara Piccinini, directora de la Collezione Maramotti, que llegó a la institución en 2007 tras pasar por la Peggy Guggenheim Collection de Venecia y que defiende el museo como un lugar de «tiempo lento» dedicado al arte. Encaja con un artista que pinta a fuego lento. «Al principio yo sabía que no quería hacer una exposición al uso», recuerda Urrutia. «Sabía que no quería hacer una exposición de cuadros como las que había hecho hasta ahora, y que quería enseñar algo que normalmente queda escondido: el proceso y el atlas». La muestra se acompaña de una publicación con textos de la historiadora y comisaria Ada Naval y del neurocientífico Giorgio Vallortigara (CIMEC, Universidad de Trento).

Abiapuntua.
Alain Urrutia.
Collezione Maramotti, Reggio Emilia (Italia).
Del 8 de noviembre de 2026 al 14 de febrero de 2027.
Entrada gratuita.
Jueves y viernes, de 14:30 a 18:30; sábados y domingos, de 10:30 a 18:30. Cerrado el 25 y 26 de diciembre y el 1 y 6 de enero.

• La exposición: Abiapuntua en la web de la Collezione Maramotti · nota de prensa (PDF)
• Collezione Maramotti: web · Instagram · YouTube
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