RUVENRUVEN: PLASTIC BOY

En Tendencias Tv somos fieles creyentes de los “new beginnings”, reinventarse y mirar un proyecto desde el otro lado. Por eso, hoy hablamos de RUVENRUVEN, el nuevo proyecto de Rubén Segovia. Tras varios años siendo productor de artistas como Xenia, Santas, Vez Era o haber trabajado junto a Margarita Quebrada, Rubén nos presentó el pasado 18 de Octubre su álbum debut “Plastic Boy”, que promete, entre diversos géneros como el avant-pop y la electrónica más experimental, hacernos pensar sobre esa idea de una versión desvirtualizada de nosotros mismos.

En primer lugar, ¿cómo te encuentras Rubén? ¿Qué tal estás viviendo el lanzamiento de tu primer álbum debut bajo el proyecto de RUVENRUVEN?

Respecto al disco, estoy contento. Compartir un proyecto autogestionado en el que ha participado tanta gente a la que admiro, no es tarea fácil. Ver que está funcionando bien y teniendo buena acogida es increíble. Ahora bien, a la pregunta sobre cómo estoy, estoy mal. Estos últimos días están siendo muy difíciles. Ver a Valencia así… Soy de ahí, mi familia es de ahí, mis amigas también, hay mucha gente jodida, gente que lo ha perdido todo. Utilizo esta respuesta para pedir a todo el mundo que quiera o pueda ayudar, que lo haga. Informaros a través de medios oficiales para saber cómo se os necesita más. Labores de limpieza, maquinaria, donaciones, lo que sea. Amunt.

Para alguien que te escuche por primera vez, ¿qué canción de Plastic Boy crees que es la puerta de entrada perfecta a tu universo? ¿O eres más de escucharlo en orden?

Hay varias canciones que funcionan como una introducción al universo del LP, como por ejemplo Enemigo, Rat Race o Plastic Boy. Esta última abre el disco, e introduce literalmente el concepto y al protagonista del LP. Es verdad que, aunque creo que estas canciones pueden ser una buena introducción, lo suyo es escuchar el disco al completo. He intentado generar un hilo conceptual, pero cada canción tiene sus matices y habla de cosas diferentes. Recomiendo escucharlo en orden ya que hay una dirección narrativa: desde que el personaje se da cuenta de que se ha convertido en un chico de plástico hasta que se decide a iniciar un nuevo comienzo, las canciones van presentando experiencias, fases y preocupaciones clave del personaje.

En Tendencias Tv valoramos mucho la reinvención y los nuevos comienzos, por eso tenía muchas ganas de escuchar tu álbum debut. Para ti, ¿cuál ha sido el mayor reto de reinventarte como músico después de tantos años produciendo los proyectos de otros artistas? ¿Te resultó difícil darle voz a tu propio proyecto? ¿De dónde nace esta inquietud de crear tu propio proyecto?

La idea de hacer un proyecto propio viene de lejos. Siempre he hecho música para mí mismo y es algo que siempre ha estado ahí. Antes no sentía que era el momento de sacar cosas, quizás por no tener la confianza o por no sentir que tenía algo que contar. Ahora es diferente. Notaba que tenía una propuesta de la que estaba orgulloso y que quería compartir. Darle voz al proyecto no ha sido complicado, porque ha sido la voz la que me ha empujado a hacer este trabajo. Eso sí, ha sido un ejercicio diferente al de producir para otros artistas, y he tenido que reajustar mecanismos.

Diría que el mayor reto ha sido producir yo mismo las canciones, pero era parte de la gracia. Cuando trabajo como productor para otros proyectos es más fácil sintetizar las ideas y valorar qué funciona y qué no. La figura de artista y productor están claramente separadas en ese caso, mientras que en Plastic Boy las dos figuras son la misma persona, aka yo, y el límite entre una y otra es muy difuso. He tenido que enfatizar y concienciarme aún más sobre las diferencias entre el productor más creativo, del productor que tiene la responsabilidad de hacer la canción funcionar.

Produciendo para otros has moldeado muchos sonidos y estilos. Ahora, con Plastic Boy, ¿cómo dirías que has moldeado tu propia identidad musical? ¿Qué rasgos te definen como RUVENRUVEN que tal vez no aparecían en tus producciones anteriores?

Yo creo que hay mucho de mí en las producciones que hago para otras artistas. Me gusta meterme creativamente en el proceso, ayudar con la identidad musical y la narrativa de cada proyecto, y si ya existe, potenciar desde la producción y el sonido.

Creo que lo que hace diferente a este proyecto con respecto a otros es la identidad del proyecto. El hecho de escribir yo las canciones de cero. Me ha ayudado mucho pensar en Plastic Boy como un personaje que necesitaba que alguien le diera una voz. Es verdad que Plastic Boy de alguna manera representa una parte de mi, y he usado esa parte para ponerle palabras en la boca.

Desde un punto de vista menos narrativo y más sonoro también tengo que decir que he intentado experimentar continuamente con la producción, el diseño de sonido, ponerme limitaciones técnicas para crear soluciones desde un punto nuevo, usar herramientas que no había utilizado nunca… todo eso trae texturas y recursos al LP que son muy especiales.

Algo que valoro mucho de tu proyecto es todo el uso de texturas sonoras y la experimentación en tu música. ¿Hay algún sonido o técnica de producción que te obsesionara durante la creación de Plastic Boy? Cuéntanos un poco como ha sido este proceso de producir el álbum.

Diría que hay dos direcciones con las que me he obsesionado. La primera en el dominio analógico, donde he intentado usar técnicas de grabación extrañas, micrófonos rotos y la sobrecompresión o sobresaturación de las señales. Tocar con las señales super procesadas cambia la performance del instrumento, y desde la grabación intenté darle forma al sonido de algunas cosas para influir en la interpretación. La segunda obsesión ha sido romper Ableton. Buscarle los límites al software y a los plugins, intentando usar comportamientos erráticos para generar texturas especiales. Algunas técnicas pueden ser el resampling, el repitching, stretching, todo esto… Buscar el error digital.

Respecto al proceso de producción, la verdad que ha sido muy diferente para cada canción, como digo, estaba experimentando. Algunas canciones las empecé con el piano y la voz, otras cogiendo unas baterías grabadas y obligándome a crear una canción solo con esas muestras de audio, en otras cogiendo un sample muy pequeño de voz y generando sintes y texturas. Lo que sí es común a todas es que tras el proceso de experimentación y tener la idea de la canción, intentaba despegarme de ella y analizarla como productor. Más adelante, también como mezclador.

Con este álbum debut hemos podido ver que la experimentación es algo clave en tu sonido, sin embargo, siento que tampoco reniega de algunos elementos del mainstream, ¿Cómo vives tú esta dicotomía? ¿Cómo logras ese equilibrio entre la accesibilidad del pop y la libertad creativa de la electrónica experimental sin perder la esencia de lo que quieres contar?

Yo vengo de hacer pop. La armonía y las melodías de los temas son, en general, pop. Las estructuras a menudo también. Lo que es experimental en este disco es el procesado de los instrumentos, el tratamiento, el diseño de sonido, el approach a la performance. Esa es la dirección en la que he querido investigar, en lo textural. Buscar timbres que se sintieran atractivos o únicos dentro de un contexto pop.

La sobreproducción, el pitching, el resampling… ¿Dirías que estas técnicas se han convertido en herramientas narrativas en tu música? ¿Cómo decides cuál es el momento justo para «sobreproducir» una idea o cuándo dejarla más orgánica?

Este LP se llama Plastic Boy, y se llama así porque hay un personaje que es el propio Plastic Boy. La sobreproducción le representa. La idea de que las personas mostramos una cara procesada y autocensurada a los demás es la problemática y el eje vertebrador del LP. He querido representar eso con el tratamiento sonoro. El uso de voces super plastificadas, chops, baterías glitcheadas, o instrumentos totalmente desvirtuados responde a esa idea de no mostrar quienes somos o cómo nos sentimos. También hay instrumentos que no están nada tratados en el LP, y que simbolizan o representan una versión más honesta del personaje, esa cara que solo nosotros mismos podemos ver.

En Plastic Boy tratas temas como las distintas versiones que proyectamos de nosotros mismos. ¿Sientes que la industria musical te empuja a ser ese «chico de plástico», o es más una exploración personal de lo que proyectamos hacia el exterior?

Es una exploración personal a través de un personaje hiperbólico. Desde luego los mecanismos de la industria nos empujan a actuar a veces de manera similar a como lo hace Plastic Boy, pero, esto no es único del mundo de la música. Está en todas partes, es una realidad con la que convivimos.

Siendo de Valencia, estando detrás de la producción de muchos proyectos de la escena valenciana, y ahora con tu proyecto, has trabajado con varios artistas valencianos. ¿Qué crees que aporta esta escena a tu música? ¿Hay algo especial en la forma en que se está gestando la música en Valencia?

La escena de Valencia es increíble. Creo que lo más importante de la escena valenciana es la comunidad. Sentirse parte de algo más grande. Los movimientos artísticos nacen a través de la comunidad, y en Valencia tenemos la enorme suerte de tener eso. Obvio, la escena de Valencia me aporta muchísimo, referentes, artistas, amigas, he crecido y vivido con ello estos años, y sigo haciéndolo. Hay muchísimos agentes que forman parte de una escena, ya sean artistas visuales, plásticas, musicales, promotores, arquitectas, investigadoras, abogadas… hay mucha gente, con muchas habilidades diferentes y con ganas de hacer cosas e intereses comunes. Esa es la clave.

Esta es una pregunta que también le hice a Santas, ya que cómo tú, es de Valencia y ha vivido aquí en Barcelona. ¿Qué ha aportado cada una de estas dos ciudades a tu trabajo como músico o productor? ¿Qué diferencias identificas en las dos escenas?

Hasta la fecha Valencia me ha aportado referentes, oportunidades, ideas, maneras de pensar y filosofías de trabajo al enfrentarme a una canción. Gracias a la escena valenciana produzco mi primer proyecto, que es el primer EP de Xenia, a través de Futuras Licenciadas. Conozco a Carlota, a Miguel, a Santas, a Margarita Quebrada, a Anouck, a muchísimas personas. Hace poco más de un año decidí venirme a Barcelona para ampliar horizontes y buscar oportunidades, sin dejar atrás Valencia. En este punto Barcelona me ha presentado muchas nuevas amigas y artistas a las que admiro, como Mariana També, Tatuaje, Julia Amor, Montesco, June… pero también me ha traído oportunidades.

Puede que sea bastante bias, pero al final es mi perspectiva y mi experiencia, y siento que hay dos grandes diferencias entre Barcelona y Valencia. En Valencia percibo una sensación de comunidad mayor. En Barcelona hay más oportunidades y más capital.

Ahora que te has mudado a Barcelona y estás trabajando en el live de tu proyecto, ¿cómo te imaginas la experiencia en directo? ¿Hay algún elemento visual o escénico que sientas crucial para transmitir la esencia de RUVENRUVEN en el escenario?

Las visuales juegan un papel muy importante en el show de este LP, para encorsetar y transmitir la esencia estética que rodea el LP. Me encantaría poder llevar una escenografía física, acercar el mundo del office core a las salas y escenarios donde vaya, y por ahora, son las visuales las que acercan ese universo. Quizás en el futuro se incluyan elementos de atrezzo en el escenario, pero por ahora, mandan las visuales.

Para terminar, si pudieras tener una conversación con el «Plastic Boy» que creaste en tu álbum, ¿qué le preguntarías o qué consejo le darías?

El LP presenta a una versión hiperprocesada de una persona que esconde sus sentimientos detrás de una piel de plástico, alguien que ha llegado al límite de su mentira y que no puede más, que explota y entra en un proceso de realización de su mentira. Si me lo encuentro en el estado de la primera canción del disco, le diría ánimo, quítate la piel. Si me lo encuentro en la última, le daría un abrazo.