Corpus Impermanent · Max Gärtner

La última serie de obras de Max Gärtner profundiza en la tensión entre la belleza y el deterioro como un impulso hacia la búsqueda de significado. Como artista multidisciplinar, Gärtner lleva tiempo intrigado por el afán de la humanidad por comprender la naturaleza finita de la vida y nuestra aspiración colectiva a encontrar un propósito mayor más allá de la existencia básica.

En sus obras, el artista establece paralelismos entre símbolos intemporales de antiguas prácticas espirituales y su perdurable impacto en nuestra relación moderna con la creación y la destrucción. Esta conexión se hace evidente a través de los sujetos elegidos, que guían intuitivamente al espectador por un viaje de múltiples facetas a través de nuestra búsqueda común de un propósito :

La Serpiente, un antiguo símbolo que representa la naturaleza eterna y cíclica del tiempo.
El Caballo simboliza el deseo y la capacidad de la humanidad de ejercer control sobre la naturaleza.
La Máscara, un elemento fundamental en los rituales que conmemoran la vida y la muerte, preservando la esencia del espíritu humano.

Gärtner examina la esencia física y estructural de estos prolíficos símbolos arquetípicos, revelando una delicada vulnerabilidad bajo su fuerza inherente. Mediante diversas técnicas, como recortes de papel, cerámica y esculturas de madera, traduce tejidos blandos a complejas configuraciones, aludiendo a la condición transitoria de la existencia terrenal.

¿Cómo describirías tu estilo artístico y cuáles son tus principales fuentes de inspiración?

Mi obra podría describirse como abstracciones gráficas figurativas y dibujos escultóricos.

Me inspira profundamente el arte y los simbolismos antiguos y clásicos. Desde artefactos griegos y romanos hasta objetos asociados a batallas y prácticas rituales de relevancia en todo el mundo.

Hace un tiempo vi una escultura de mármol que mostraba a un jabalí cazado y despedazado por unos perros. La combinación de la belleza del impecable acabado limpio de la piedra blanca y la violenta escena me impactó y creo que ha influido bastante en la obra que presento en esta exposición.

¿Cuál ha sido el camino que te ha llevado a convertirte en un artista multidisciplinario?

Siempre me ha interesado el dibujo. Cuando de niño en el colegio me dieron la tarea de crear una obra de arte con «color» elegí utilizar únicamente un lápiz y cuando la profesora me dijo que el gris no era un color, no estuve de acuerdo. Desde muy pequeño, siempre me sentí atraído por las formas y las líneas y supe que quería dedicar mi vida al dibujo. Empecé a entusiasmarme por el arte cuando era adolescente en Heidelberg, mi ciudad natal en Alemania. En aquella época pintaba letras y personajes con latas de spray en las paredes.

Después del instituto, me trasladé a Barcelona para cursar estudios en una academia centrada en el cómic y la ilustración. Durante este periodo me dediqué a hacer trabajos por encargo relacionados con la ilustración y simultáneamente participaba activamente en exposiciones.

De forma natural, me sentí atraído por Berlín y ahora trabajo y vivo entre esta ciudad y Bali (Indonesia).

¿Qué te motiva a explorar la conexión entre la belleza y el deterioro en tus obras?

Recuerdo la primera vez que «comprendí» el concepto del tiempo. El paso lineal de los momentos me parecía algo irreal cuando era niño y me lo sigue pareciendo.

¿Cómo ha influido tu experiencia en Bali y Berlín en tu proceso creativo?

Berlín marcó mi dirección creativa. La soledad de la vida berlinesa, unida a una comunidad amplia, abierta y culturalmente diversa, me permitió desarrollarme artísticamente. Bali ocurrió por accidente. Mi primer viaje fue de vacaciones y a partir de entonces me sentí constantemente atraído por la isla. A diferencia de la desconexión de las sociedades occidentales con el concepto de la muerte, la cultura balinesa acoge la oscuridad y la integra en la vida cotidiana. Esto me inspira y sin duda ha influido en mi producción creativa.

¿Podrías compartir una experiencia significativa que hayas tenido durante tu residencia artística en Luanda, Angola?

Sinceramente, la experiencia más significativa durante mi residencia fue el baile. Todo el mundo baila en Angola, incluso sin música. Luanda es una ciudad interesante. Prácticamente no hay turismo debido a su historia reciente. Tuve la suerte de ser introducido a unos amigos que viven allí. Eso me permitió conocer y experimentar la ciudad y su cultura mientras trabajaba durante mi estancia.

¿Cuál es el concepto principal de la exposición Corpus Impermanent?

En Corpus Impermanent trato de encontrar lo que hace tan potente y bello el aspecto físico de los símbolos culturales. La atracción humana por la perfección impermanente me resulta fascinante. Al crear este conjunto de obras en particular, comprendí que la belleza y la decadencia juegan un papel crucial en nuestra búsqueda de un propósito. La exposición rinde homenaje a nuestro esfuerzo permanente como especie por descifrar el significado de la existencia temporal a través de símbolos duraderos.

¿Cómo utilizas diferentes técnicas, como recortes de papel y esculturas de madera, para representar la fragilidad de los cuerpos?

Tanto el papel como la madera son materiales en constante cambio. Ambos responden a sutiles alteraciones ambientales y a la manipulación, y esta propiedad se adecua a los temas que exploro. Desde un punto de vista técnico, el proceso consiste en dibujar un «esqueleto» bidimensional, que luego se recorta para revelar una forma tridimensional. El papel, que antes era plano debido al corte, crea formas orgánicas involuntarias, mientras que las piezas de madera se mueven con el juego de la luz. Es casi como reanimar algo efímero y frágil.

¿Cuáles son algunos de los temas o ideas específicas que los espectadores pueden esperar encontrar en esta exposición?

La exposición establece paralelismos entre las imágenes intemporales de las antiguas prácticas espirituales y su impacto en nuestra relación moderna con la creación y la destrucción.
Intento explorar este concepto a través de mis obras, que rinden homenaje a los siguientes símbolos arquetípicos : la Serpiente, el Caballo y la Máscara.

¿Cómo logras crear un diálogo entre la perfección y la descomposición en tus obras expuestas?

La perfección en sí misma es efímera. Lo que percibimos como bello viene acompañado de un sentido de impermanencia. Al centrarme en los personajes arquetípicos mencionados y convertirlos en trazos que evocan la carne, el músculo y el hueso, intento explorar la tensión entre nuestra atracción por la perfección y cómo ésta conlleva inevitablemente una descomposición inherente.

¿Quién te gustaría que descubriera la exposición?

Espero que esta obra conecte con cualquiera que la encuentre atractiva o conmovedora. La posibilidad de llegar a los espectadores a través de diversas plataformas me permite conectar y mantener un diálogo inspirador fuera de mi ámbito habitual, lo cual es gratificante.