Jaime Sabate: Maquetas y fugas digitales

Jaime Sabaté crea desde ese lugar en el que lo tangible se confunde con lo imaginado. Sus maquetas digitales —espacios íntimos, fragmentarios, texturizados hasta el detalle— son refugio y manifiesto. Entre referencias a Calvino, videojuegos y estética stop motion, hablamos con él sobre la precariedad estructural del diseño, el placer de perderse en mundos inventados y la necesidad de separar el trabajo funcional del impulso creativo. Esta conversación, como su obra, habita en la ambigüedad.

Hola Jaime, ¿qué tal estás? 

¡Hola Ságar! Estoy pasando un verano bastante disfrutón y contentísimo por hacer esta entrevista contigo… 

¿Qué te anda inspirando hoy en día? ¿En qué has encontrado inspiración esta última semana o que has tenido en la cabeza? ¿De dónde venimos?

Esta semana lo que me ha inspirado no es algo nuevo, sino lo mismo que lleva años acompañándome: el cine, la música, la literatura y los videojuegos. Últimamente, he vuelto a conectar con todo lo relacionado con el surrealismo y la fantasía.

No dejo de pensar en los bosses de The Elder Scrolls, en las imágenes que se quedaron grabadas en mi mente tras ver películas como Las aventuras del barón Munchausen o Chronopolis. También en las que imaginé mientras leía alguno de los Cuentos italianos de Italo Calvino, con «Fuck Me Eyes» de Ethel Cain sonando en repeat.

Todo este universo de ficción es de donde vengo. De algún modo, siempre ha sido mi espacio seguro y mi vía de escape cuando, de niño o adolescente, la realidad que habitaba no me interesaba.

Cuando empezaste a trabajar en el mundo del diseño, ¿con qué te encontraste? ¿Hubo algo que te desilusionó? ¿Qué espacio queda para alguien que no encaja del todo en la lógica de “producir sin parar”?

Empecé la carrera de diseño en 2017, después de haber estudiado Ciencias Políticas. Fue un cambio de rumbo importantísimo en mi vida, que emprendí con mucha ilusión tras conocerme mejor a mí mismo.

Durante los años de carrera conocí a gente increíble que me inspiró muchísimo. Trabajando juntos, reforcé la idea de que todo lo relacionado con la creación audiovisual era lo que más me apasionaba. Fue también en esa etapa cuando abrí la que hoy es mi cuenta profesional, donde comencé a compartir mis piezas de 3D y animaciones propias.

En 2021 empecé a trabajar en un estudio en el que fui muy feliz durante varios años y donde aprendí muchísimo sobre la profesión. Estudiar en Bau me proporcionó una formación muy libre, en la que la línea entre diseño y arte estaba completamente desdibujada.

Algo que me desilusionó al entrar en el mundo profesional fue toparme con lo que, creo, es en realidad la función del diseñador: adaptar su trabajo a las necesidades del cliente. En ese proceso creativo, muchas veces la visión y el trabajo del diseñador quedan completamente difuminados por las demandas del usuario.

Por eso, actualmente me siento más cómodo diferenciando mi perfil profesional de mi faceta como creador digital. Como creador, encuentro un espacio de libertad y expresión íntima; como diseñador, me siento realizado al responder a necesidades funcionales y estéticas. Ambos roles conviven y se retroalimentan, y es en ese equilibrio donde he encontrado mi lugar.

Dices que el diseño es precario, que hay un techo no muy alto… ¿Qué tipo de diseño sobrevive ahí arriba? ¿Y quiénes se quedan abajo?

No hay un tipo de diseño o una línea estética que garantice mayor estabilidad que otra. El diseño, al menos en Barcelona, es una profesión precaria para quienes están empezando y no cuentan con una red de contactos que les permita ejercer de forma autónoma.

En muchos casos, las prácticas ofrecidas no están remuneradas y, cuando lo están, los sueldos son muy bajos. Por lo general, los diseñadores junior reciben durante su primer año un salario equivalente al mínimo interprofesional.

Sin apoyo externo o bajo condiciones poco reguladas —como el uso de falsos autónomos o becas encubiertas—, la situación se vuelve prácticamente insostenible.

Tu trabajo actual se centra en las maquetas: espacios cerrados, pequeños, delimitados. ¿Qué estás intentando contener?¿Qué tienen las maquetas que no tengan otros formatos? ¿Por qué trabajar en pequeño?

Las maquetas son el lienzo en blanco sobre el que he decidido construir mis piezas en 3D a partir de ahora.

El espacio creativo dentro de los programas de modelado 3D es inmenso. Puedes crear sin límite alguno, lo cual, aunque sea una ventaja, el abismo infinito de las tres dimensiones me resultaba abrumador. Necesitaba un formato que actuara como contenedor, un espacio acotado donde dar forma a todo lo que quería generar. Algo que me interesa especialmente en mi trabajo es provocar confusión entre lo que parece real y lo que ha sido generado digitalmente (sin el uso de inteligencia artificial). Me gusta mezclar lo tangible con la ficción, lo creíble con lo fantástico. Para lograrlo, me inspiré en las maquetas utilizadas en películas de animación en stop motion: mundos ficticios construidos manualmente, que cobran vida a través del lente de una cámara. Aunque todo lo que se muestra es una ilusión, los objetos existen físicamente en ese pequeño universo.

En mi caso, tanto las maquetas como las historias que construyo existen únicamente en el espacio digital. Aun así, mi intención sigue siendo la misma: por un lado, mostrar la maqueta tal como se vería en la realidad; y por el otro, conectar ese espacio con lo surreal a través del arte digital.

En tu trabajo hay una tensión constante entre lo real y lo virtual, lo físico y lo renderizado. ¿Qué te interesa de ese punto de fricción? ¿Te da vértigo o placer que no se sepa qué es “de verdad”?

Siempre me he sentido muy atraído por todo aquello que genera incertidumbre. Me interesa especialmente la ambigüedad entre lo real y lo renderizado, porque desplaza la interpretación hacia la forma, más que hacia el significado. A través de esa tensión también intento expresar que la distancia entre lo real y lo virtual no es tan amplia como solemos pensar. Lo que parece físico en mis trabajos son, en realidad, imágenes generadas por ordenador (sin el uso de inteligencia artificial). Paso mucho tiempo en entornos virtuales, especialmente cuando juego a videojuegos. Desde pequeño, siempre preferí esos mundos digitales a salir a jugar a la calle, aunque eso estuviera mal visto. Para mí, estar ahí dentro también forma parte de lo real. Es parte de mi realidad.

¿Te sientes identificado con términos como artista, diseñador, creador…? ¿Te interesa que tu trabajo “sirva para algo”? ¿Cómo te relacionas con la idea de utilidad? 

Me identifico con los tres términos, aunque me relaciono con cada uno de forma diferente: Como diseñador, entiendo mi rol dentro de una lógica funcional: creo piezas que responden a necesidades concretas de las personas con las que trabajo. Como creador, me muevo en un terreno más íntimo y libre, donde expreso mis ideas a través de la animación y el CGI sin buscar utilidad, solo el disfrute o la emoción de quien las recibe. Como artista, observo e interpreto el mundo que me rodea.

En mi opinión, la diferencia entre estos roles radica en el grado de libertad que tienes a la hora de crear.

Cuando surge una idea, ¿qué aparece primero? ¿Una imagen, una historia, un personaje? ¿Qué te hace decidir que una intuición merece convertirse en una pieza de 3D?

Mi proceso creativo no sigue un patrón fijo, pero casi siempre comienza con una imagen que haya consumido. Suelen ser imágenes figurativas, con un espacio definido y uno o varios personajes. A partir de esa escena empiezo a construir una historia, un pequeño universo con significado.

Lo que decido contar nace de algo que me provoca una emoción genuina, y es precisamente esa carga emocional la que me hace sentir que vale la pena convertirlo en una pieza de CGI.

¿Te interesa contar historias de forma explícita o prefieres dejar pistas, gestos, atmósferas? ¿Qué lugar ocupa la interpretación del otro en tu obra?

No me interesa tanto la interpretación de las historias que cuento ni su significado literal, como la forma de aquello que he creado. Las historias, para mí, son una herramienta que me permite dar forma a las imágenes que quiero construir, pero no me preocupa lo que cada persona entienda.

Lo que busco es que mis creaciones digitales sean experiencias estéticas, que se disfruten por lo que hacen sentir, no por la necesidad de descifrar un supuesto significado oculto.

Tus personajes me parecen algo súper peculiar. ¿Cómo construyes a tus personajes? ¿Qué te hace sentir que están “listos”? ¿Por qué trabajar con seres no humanos, qué libertad te da eso?

El imaginario del que parto para construir mis personajes se inspira en figuras de animación en stop motion. Para crearlos, modelo las figuras en 3D usando Nomad (iPad), luego aplico texturas en Substance y finalmente les añado pelo en Cinema 4D. En mis primeras creaciones, la mayoría de personajes eran figuras humanas de aspecto realista. En cambio, en estas últimas piezas —donde el contraste entre ficción y realidad se articula a través de la maqueta— me siento mucho más libre para explorar nuevas corporalidades y texturas. Como creador, me siento más representado por estos personajes: los diseño a mi gusto y tienen una carga autoral mucho más marcada.

¿Hay materiales o detalles que se te repiten sin querer? ¿Qué tipo de texturas te atrapan? ¿Por qué crees que algunos elementos se convierten en fijos en tu imaginario?

El pelo. El pelo en todas sus formas: liso, rizado, como fieltro. Dejando aparte mis animaciones, estoy completamente obsesionado con mi pelo… y con el de lxs demás. De pequeño pasaba horas peinando a mis muñecas, y supongo que desde que descubrí este material en el entorno digital no he podido dejar de usarlo. También me atraen, aunque en menor medida, las texturas metálicas y de cristal  por cómo reflejan y distorsionan la luz en el espacio virtual.

En Tendencias TV amamos dar crédito, referenciar y reformular. En un lugar donde parece que “todo está creado” ¿Qué lugar ocupan las referencias en tu proceso? ¿Sueles tenerlas muy presentes o se diluyen pronto?

Las referencias me acompañan a lo largo de todo el proceso creativo. Creo que esta forma de trabajar está muy ligada a mi formación académica en diseño, donde el concepto y las referencias eran tan importantes como el resultado final de cualquier proyecto.

¿Qué sueles mirar, ver, escuchar cuando no estás creando? ¿Hay fuentes de inspiración que no tengan nada que ver directamente con tu práctica? ¿Cómo influye eso en tu trabajo?

La mayoría de mis influencias provienen del cine, la animación, la pintura y la fotografía, pero también encuentro mucha inspiración en las cutscenes de videojuegos y en las ilustraciones de las cartas de Magic The Gathering. Estas imágenes, cargadas de narrativa y simbolismo visual, han sido clave para construir mi imaginario estético.

Algo a destacar de tus obras es el cruce de diferentes técnicas. ¿Cómo conviven animación, fotografía, glitch o 3D en una misma pieza? ¿Qué te permite esa mezcla?

La mezcla de métodos artísticos surge principalmente de una necesidad de explorar los resultados de la interacción entre el CGI y diferentes técnicas de animación.

El uso de programas como TouchDesigner, junto con el tratamiento visual del CGI mediante estéticas analógicas y glitch, me ha permitido ampliar mi lenguaje visual y adoptar un enfoque más experimental.

En Tendencias Tv siempre hablamos de futuros. De conexiones y puentes. Vemos la entrevista como la oportunidad. Dime algunos artistas con los que te gustaría trabajar en el futuro. En torno al diseño o de otras disciplinas artísticas. 

Me encantaría trabajar con artistas 3D como: @guillermo.solas, @miquelcardiel.xyz, @_ujna, @valeriabaret, @4rnaw, @jangalipardo_, @nenu.nenu.nenu, @angel_jiro, @salemdeamar, @d.oncella, @93sagar, …

Me gustaría trabajar con artistas como @frederickheyman, @andreaanimates, @drezzdon, @plastekpet…